Las hermanas Martha y Abby Brewster son dos adorables ancianas que viven en un viejo caserón victoriano con su sobrino Teddy, un lunático cuarentón que cree ser el presidente Roosevelt. Felices y resueltas, las Brewster se toman muy en serio su vocación de servicio a la comunidad: lo mismo le preparan una copiosa merienda a su vecino, el reverendo Harper, que le llevan consomé a cualquier enfermo del vecindario, o que envenenan «por compasión» a todas las almas tristes y solitarias que se acercan a su casa en busca de hospitalidad. ¿El modus operandi? Una copita de vino casero de saúco mezclado con arsénico, estricnina y una pizca de cianuro. Once muertos llevan ya, según Martha (doce según Abby), enterrados en el sótano, cuando su otro sobrino Mortimer, crítico teatral recién prometido con Elaine, la hija del reverendo, descubre aterrorizado esa «pequeña rareza» de sus adorables tías.

Este volumen recoge los tres ensayos que escribió Herbert Marcuse tras los sucesos de 1968 centrados en la estética porque consideró que era la cuestión política más urgente. No apuesta por modos de lucha ni criterios de organización. Ello se debe a que creía que las revoluciones pueden ser aplastadas desde dentro debido a un elemento de autoderrota. El principio de realidad capitalista está arraigado en los seres humanos y en sus comportamientos, siendo necesario un cambio antropológico para transformar la sociedad. Frente a esta situación, la estética tiene dos sentidos: sensibilidad y arte. Libres de la propiedad privada, los sentidos pueden volverse receptivos a otras potencialidades y posibilidades. El arte es una fuerza bidimensional que transfigura y redime, liberando a la materia de su definición funcional.

Marcuse plantea así un desafío a la revolución cultural para generar una nueva sensibilidad y convertirla en una fuerza política. Propone una transformación revolucionaria de las subjetividades como base para una verdadera revolución. Enfrentándose a la cultura tecnológica que busca adaptar lo humano a los automatismos, lo que defiende es la bidimensionalidad como una división constitutiva a conjugar de forma emancipadora. En suma, Marcuse nos invita a reconocer la necesidad de una revolución cultural que fomente una nueva sensibilidad para redirigir el potencial revolucionario. La transformación social debe ir acompañada de un cambio profundo en la experiencia humana y su relación con el mundo. Su pensamiento invita a explorar la capacidad del arte y la estética para imaginar nuevas posibilidades en la lucha por un mundo diferente.

El libro se presenta además con una inspiradora introducción de Amador Fernández- Savater que trata de rescatar la fuerza bidimensional del arte y su capacidad de redimir según las apreciaciones del filósofo alemán

El pequeño Ramón, alter ego de Miguel Salabert, creció en el Madrid de la posguerra junto a una curiosa corte de bohemios, vagos y maleantes. Tras el fin de las bombas y los tiros, se impuso una normalidad marcada por el hambre, la educación castradora de los curas, la sombra de un padre preso, una madre ultraprotectora y desquiciada, y sobre todo, el silencio. El silencio de aquella parte de la población que, aun cuestionándose la vida bajo el franquismo, se sentía incapaz de implicarse en la oposición política, por miedo o apatía, y optaba por un «exilio interior», una forma de autismo social.

Tras las movilizaciones estudiantiles de 1956, Miguel Salabert se marchó a Francia para evitar la represión franquista y allí escribió esta obra clave de la contracultura española, cuyo título acuñó el hoy popular concepto de «exilio interior». Hoja de Lata recupera, en su versión definitiva, este referente underground de la literatura de posguerra que oscila entre la novela picaresca y el realismo social, con su retrato descarnado de aquella España de la mayoría silenciosa

A finales de los años ochenta, Duro Felguera es un gigante industrial centenario que vertebra la cuenca del Nalón con sus miles de puestos de trabajo y mantiene estrechos vínculos con el poder político. Por su parte, sus empleados han forjado una sólida cultura asamblearia y sostienen frecuentes reivindicaciones. Raro es el mes en el que no hay huelga en La Duro.

Por ello, la pretensión de Duro Felguera de pasar de ser una empresa de «mono azul» a una de «cuello blanco», despidiendo a 232 trabajadores, choca de frente con la plantilla, que reclama una buena gestión, el mantenimiento del empleo y un plan de futuro para las cuencas.

Entre 1989 y 1999, los trabajadores responden a los sucesivos despidos con paros, marchas, conciertos, una huelga de hambre de 52 días, numerosos sabotajes y un encierro en la torre de la catedral de Oviedo de 318 días, convirtiéndolo en uno de los conflictos laborales más radicales y exitosos de las últimas décadas, en el que «los de La Duro» pelearon contra la lógica del mercado hasta lograr una solución para cada uno de los despedidos.

FEMS AQUÍ! es un conjunto de textos compilados por Andrea Corrales y Laia Lloret, con prólogos de Alicia Ramos, iki yos piña narváez funes, Itziar Ziga o Ira Hybris. La compilación gira en torno a la experiencia fem desde una perspectiva transfeminista y cuir, y en intersección con otros temas como el deseo, el trabajo sexual, la clase social, la rabia, la solidaridad y el amor. Estos textos formaron parte de un fanzine que se publicó hace 10 años en karcelona, y que hoy renace como el primer libro sobre lo fem publicado en español y editado y escrito exclusivamente por fems.

Este libro pertenece a la colección Las sabihondas. Las sabihondas son las niñas y las maricas de la escuela que por saber lo que no estaba en los escritos las han llamado resabíás, rebeldes y repelentes. Son las marimachas y princesitas con hechuras de comerse el mundo. Son las criaturas que no se amoldan a las reglas ni a los géneros. Son las tardes del tarot con tus amigas, el folklore de tu casa, la santería de tu abuela. Las sabihondas vienen a crear un círculo de brujas, maléficas, raras, gordas, discas, feas, bibolleras, trans, locas y todas las personas que se quedan fuera de esta norma como un conjuro, un artificio. Vienen a invocar los saberes ocultos, espirituales, infravalorados y revolucionarios de las mujeres, las feminidades cuir/queer y las disidencias, para llenar este mundo de revueltas y ternuras compartidas.

¿Por qué La Diabla para este libro? La diabla es un artefacto extraño, un cuerpo irreverente que libera a quien la mira de la misoginia impuesta. Orgullosa de sus instintos más impuros, alardea de ser la puta del pueblo, la rara del barrio, la bibollera de su casa. Con el influjo de su existencia invoca a todas las malas mujeres y feminidades disidentes a reírse en la cara del patriarcado a carcajadas. Es una carta que augura festejos, deseos y jaleos rodeada de amigas y amantes. Como decía Gata Cattana, “la mujer es el diablo eso seguro ten cuidao”.

Alaska, 1920. A dos horas a caballo de la pequeña ciudad de Alpine, junto al río Wolverine y rodeada de bosques salvajes, se encuentra la cabaña de Jack y Mabel, una pareja ya mayor que, perseguida durante años por el fantasma de la muerte de su hijo, decide al fin escapar de la ciudad y establecerse como pionera en la agreste Alaska. Pero los comienzos no son nada fáciles en esa tierra de inviernos interminables que se resiste a ser cosechada, y ni tan siquiera el incondicional apoyo de los alegres y duros Benson, sus vecinos más cercanos, parece ser suficiente.

Entonces un día llega la primera nevada del año y, como dos niños pequeños, Jack y Mabel deciden hacer un muñeco de nieve. A la mañana siguiente el muñeco se ha fundido, su bufanda y sus mitones han desaparecido, y en la nieve pueden verse unas diminutas pisadas que se internan en el bosque. Pertenecen a Faina, una misteriosa niña salvaje que aparece y desaparece con las estaciones, correteando alegremente junto a su inseparable zorro rojo. La pequeña, experta cazadora que sobrevive sola en las montañas, se convierte en la hija que Jack y Mabel nunca tuvieron. Exactamente igual que sucedía en La Doncella de Nieve, el cuento favorito de Mabel cuando era niña.

 Mezcla de novela de pioneros y de cuento de hadas, llena de bosques profundos y de animalillos salvajes, La niña de nieve está inspirada en la mítica figura de Snegúrochka, Doncella de la Nieve del folclore ruso. Finalista del Premio Pulitzer de Ficción.

«Un pantano sabe más que la mayoría de la gente. Es nuestra naturaleza, pues dentro de nuestros húmedos y nebulosos confines, el agua lleva mensajes, historias e incluso rumores. El pantano conecta todas las vías acuáticas: del estanque al río, al mar y a las cisternas de vuestros váteres. Sabemos vuestros secretos, oímos vuestras discusiones, lavamos el sudor de vuestros cuerpos.» Tres mujeres dan a luz en diferentes países y en diferentes décadas. En un futuro cercano, en pleno desastre climático global, acaban conviviendo en una urbanización costera de Nueva Zelanda. A Keri, madre soltera, le cuesta sacar adelante a su pequeño Walty y a su hija mayor Wairere, una preadolescente extraña con una conexión mágica con el pantano cercano a su casa. Janet, su vecina de siempre, es una mujer mayor blanca llena de prejuicios racistas. Y entonces llega Sera a la comunidad, con su marido y su hija Aliana. Ellos son refugiados climáticos procedentes del Mediterráneo, donde ya no se puede vivir. Cuando Conor, el hijo de Janet, vuelve a casa con el pelo rapado y un tatuaje nuevo, la tensión en el vecindario crece, mientras el impasible pantano aguarda, majestuoso, el desenlace fatal. Y se prepara para contraatacar… «Las ciénagas» es una novela inmersiva, mágica y profundamente anclada a sus raíces maoríes. Un grito firme en favor de la empatía y el respeto entre seres humanos en momentos de barbarie moral universal.

     Durante la larga gestación del anarcosindicalismo (idea fluctuante compuesta de sindicalismo revolucionario y anarquismo comunista), el proyecto de ruptura con el capitalismo —dicha ruptura, sin fase de transición, supondría la abolición del Estado, del trabajo asalariado y del mercado— se enfrentó a una parte del movimiento sindicalista, según el cual la clase obrera debía adaptarse al «panorama económico-industrial del mundo» antes de plantearse suceder a la burguesía.

Cabe destacar que Myrtille observa con especial detenimiento el devenir de la guerra social en Barcelona y las luchas de las mujeres.

En España, la idea de la Anarquía nunca fue monolítica, sino que se fraguó en la práctica y mediante ricas discusiones en la calle, en las fábricas, en los grupos de afinidad, en los ateneos, y a través de un trabajo editorial digno de reverencia, hasta alcanzar el intento más amplio y sólido de los últimos tiempos de construir el paraíso en la tierra.

     Myrtille, gran conocedora de la revolución española de 1936 —a Del amor, la guerra y la revolución , su impresionante trabajo con otros Gimenólogos, nos remitimos—, emprende un interesantísimo recorrido, sin perder de vista el momento presente, para comprender mejor el desarrollo del pensamiento y la práctica del movimiento libertario ibérico.

Esta obra permite conocer las raíces de las ideas anarquistas, sus impulsos, su audacia, sus limitaciones y sus grandezas. Y sobre todo sus discusiones fundacionales, que aún siguen vigentes y poco o nada tienen que ver con los ensimismamientos pseudoteóricos actuales.

Casino Casa Grande es una historia sobre hermanas, sobre la muerte, sobre la infancia, sobre una familia argentina en los noventa que se mueve al ritmo de las máquinas tragaperras. Pero no es solo eso. Es la historia de Bruna, una niña que toma las riendas del azar y termina apoderándose del juego, que en vez de pelear por el cuarto propio decide tomar la casa entera e inventarla de nuevo.

Fruto de una pormenorizada investigación, este libro supone el balance de la industria cultural pop española de los años 50, 60 y 70 del siglo XX. Su autor, Jaime Gonzalo, lleva a cabo un amplio recorrido por la prensa musical y la radiofonía patrias destinadas a la juventud, desde sus primeros pasos desarrollistas, hacia 1956, hasta 1975, con la llegada de la transición democrática pactada por el franquismo y la falsa izquierda.

En unos momentos donde la televisión apenas se desperezaba, las revistas musicales juveniles iban a ser, prácticamente, la única fuente de imágenes con las que ilustrar unos intrigantes sonidos modernos de origen desconocido, poniendo formas, rostros y colores a una entelequia que con ellas adquiría carnalidad. Recibido con una mezcla de incomprensión y rechazo, el nuevo ritmo bautizado rock & roll atizaba un escándalo, una plaga social que supuestamente arrasaba cines, destrozaba automóviles y saqueaba comercios.

Poco a poco irían surgiendo publicaciones especializadas en materia discográfica, y Gonzalo, con sobrado oficio a sus espaldas, las analiza una a una señalando cómo salieron al mercado, quiénes estaban tras ellas y a qué orientación ideológica y fines empresariales respondían, los de una incipiente industria discográfica que conoce a su mejor aliado en las listas de éxito radiofónicas. Indaga e ilustra con impagables citas el verdadero despertar pop español: fenómenos como el ye yé, la canción del verano y los festivales, no solo como promoción veraniega del consumo turístico, sino también discográfico; los concursos musicales y la listas de éxitos que nacen por designio de una industria musical con mentalidad de caja registradora. Un proceso donde novedad, juventud y capitalismo se engranaban para vender lo máximo en el menor tiempo posible. España adoptaba así los cánones anglosajones forjados por la alianza entre sociedades de autores y compañías discográficas y su burócrata concepción del mercado.

¡San Elvis y abre España! despliega la creación del humus estructural del pop en la España franquista y tardofranquista; desvela cómo el afán de lucro resultó compatible con la divulgación masiva de sonidos fruto de una nueva modalidad de consumo, el juvenil en sus diferentes acepciones; en definitiva, cómo España se volvió joven, abriéndose al mercado y a la masificación consumista del disco y la prensa musical.

Primer álbum ilustrado basado en cuentos tradicionales de Guinea Ecuatorial editado en castellano. Todo el libro es un homenaje a la cultura guineana con guiños a referentes culturales del pequeño país centroafricano.

Contiene un pequeño glosario de palabras en Fang y el nombre de la protagonista se ha elegido en honor a Raquel Ilombe, la primera escritora ecuatoguineana que publica su obra en español con su poemario: Ceiba.

El viaje de Ilombe relata la historia de una niña pequeña llamada Ilombe, que vive en Guinea Ecuatorial y que decide ir en busca de su madre cuando esta no regresa a casa. En su viaje, nuestra pequeña pero valiente protagonista, vivirá diferentes aventuras.

Se encontrará con una anciana misteriosa que le dará un objeto mágico en forma de tambor y le enseñará el mejor camino a seguir. Descubrirá como la soberbia es castigada al encontrarse con un majestuoso Ceiba que discute acaloradamente con un arbusto. Asistirá a un banquete muy especial con los animales de la selva. Para finalmente, tras un largo camino, enfrentarse a un último reto que la llevará a enfrentarse a sus miedos más profundos en el interior del bosque EcuatoGuineano.

El libro, escrito por Alejandra (evui) Salmerón Ntutumu e ilustrado por Lydia Mba, incluye un pequeño glosario de palabras en lengua Fang y unas bellísimas ilustraciones a todo color.

«La sustancia de lo que se espera» es una cita de la Divina Comedia de Dante Alighieri que Paolo Virno utiliza para referirse al denominador común de un sujeto particular: l*s comunistas.

¿Qué esperan, según el autor, l*s comunistas? Básicamente, tres cosas: la abolición del trabajo, la desaparición del Estado y una idea de igualdad que dé cuenta de la singularidad única e irrepetible de cada individuo.

La dificultad radica en que estas tres instancias, si no se traducen en un conflicto centrado en las relaciones capitalistas de producción, son también la antesala de nuevas convulsiones sociales que Paolo Virno no vacila en denominar «facismo posmoderno».

Los artículos aquí seleccionados, aún inéditos en castellano, intentan dar cuenta de esta ambivalencia, subversiva y reaccionaria a la vez, para comprender las formas de vida contemporáneas desde el laboratorio marxiano

Estamos en la Barcelona preolímpica. Con apenas dieciocho años, Àlex Montiel toma las riendas de L’Aram, el restaurante de su madre. Lo mantendrá abierto durante siete años, y pasará a las páginas de la historia de la cocina de autor como una estrella fugaz: quemará estereotipos, provocará fascinación e incomprensión a partes iguales y acabará desertando de la alta cocina sin dejar rastro.

¿Qué ha sido del joven que fue capaz de dar la vuelta a la escena gastronómica antes de que unos pocos chefs se erigieran en los nuevos gurús?

Esta es la historia inaudita y sin filtros de los años locos y dorados de la cocina de vanguardia barcelonesa y del enfant terrible que eligió la integridad antes que el éxito. A través del testimonio del propio Montiel y de algunos de los nombres más sonados del panorama culinario mundial —Adrià, Gagnaire, Casas, Berasategui—, Marc Casanovas desentierra el relato oculto de una época clave para entender la cultura gastronómica de nuestro país.

«Una nueva estrella en el firmamento literario. Una mirada retorcida y lúcida sobre aquello que nos perturba. Elena Correa se sirve de lo pequeño, de lo cotidiano, para iluminar las zonas de sombra en donde se esconden los miedos inconfesables». —Marta Barrio

«Los personajes de este magnífico debut son mujeres que padecen diferentes formas de aislamiento y violencia. Con una prosa al mismo tiempo descarnada y compasiva, Elena Correa nos invita a un viaje a través de los horizontes estrechos por los que discurren sus vidas». —Juan Gómez Bárcena

Canarias, su cultura y su entorno, ante la masificación turística. La soledad y la salud mental en el exilio urbano. La maternidad, deseada o impuesta. Las mujeres y las niñas sucias que protagonizan estos cuentos, en los que se entremezclan lo real y lo fantástico, se enfrentan a muy diversas formas de violencia y pugnan por encontrar sus espacios seguros.

Esta novela, concebida durante la pandemia —en ese momento en el que casi nada era lo que parecía—, nos propone una inmersión en aquel extraño tiempo tan cargado de significados, muchos de los cuales aún nos dejan perplejos.

      Este libro —el primero escrito en castellano por el autor de La presencia de las cosas— es un abordaje literario de un período crítico y desconcertante de nuestras vidas.

Nicole, física italiana de talento, se da a la fuga del hospital donde la habían retenido, sospechosa de portar un virus peligroso.

     Un inmigrante ha sido asesinado.

     Eire, trabajadora esencial, trata de hacerse un espacio en un mundo enrarecido.

En las proximidades de la borda donde ha hallado refugio, Nicole conoce a Alzate, rescatador de ruinas; a Huston, embajadora de Otromundo; a Gógol, reportero que viaja en carro por caminos secundarios y revueltos...

Mauro, primera novela de Mikel Guerendiain, nace de la que está considerada como una de las mayores evasiones carcelarias de Europa. El 22 de mayo de 1938, alrededor de ochocientos presos se fugaron del penal de San Cristóbal, a las afueras de Pamplona, convertido durante esos años en cárcel franquista. Ninguno tenía delitos de sangre. Muchos de ellos fueron abatidos o detenidos en las horas siguientes a la fuga, pero otros lograron echarse al monte en desbandada con intención de alcanzar a pie la frontera francesa. Durante días, los montes del norte de Navarra fueron escenario de una cacería en la que se vieron envueltos no solo los fugitivos y sus perseguidores, sino también los habitantes de esos pueblos fronterizos cuyas vidas fueron alteradas por la presencia de los unos y los otros. Y son esas vidas, precisamente, las que dan forma a esta novela.

   Tejida de forma precisa, como una telaraña con puntos de unión sutiles pero consistentes, Mauro nos regala una serie de personajes inolvidables. Son ellos quienes alternan la voz narrativa de la novela y quienes, capítulo a capítulo, nos hacen cómplices de su historia, de sus alegrías, tormentos o esperanzas.

La Gran Deserción fue el fenómeno que hizo que millones de personas renunciaran a sus empleos al final de la pandemia. Especialmente en Estados Unidos, donde más de cuarenta millones de personas abandonaron voluntariamente su puesto de trabajo en 2021, pero también en China y Europa.

Francesca Coin analiza este fenómeno, haciendo hincapié en el caso italiano, como si se tratase de una huelga general no declarada o la versión contemporánea del rechazo del trabajo y la fuga del régimen fabril que protagonizó la figura del obrero-masa a finales de los setenta.

Para Coin, el nuevo rechazo del trabajo es el síntoma del fin de la era en la que reinaba la esperanza de que el trabajo nos permitiría realizar nuestros sueños de emancipación, movilidad social y reconocimiento. No obstante, la ética del trabajo sigue siendo un dispositivo de valorización social.

El problema actual en torno al trabajo, como señala Francesca Coin, es que tampoco los que trabajan todo el día consiguen siempre reunir el dinero para sobrevivir. Es en estos casos, cada vez más habituales, donde adquiere sentido la pregunta: «¿Para qué trabajar?». Quizá la más política de todas las preguntas.

En los años cincuenta del pasado siglo la Internacional Situacionista forjó su concepto de Psicogeografía. Según Guy Debord, uno de sus principales teóricos, esta debía entenderse como el «estudio de los efectos precisos del medio geográfico, ordenado conscientemente o no, al actuar directamente sobre el comportamiento afectivo de los individuos». Se trata por tanto de un método para estudiar las formas en que la ciudad influye en el estado anímico del individuo y viceversa, y que tiene en la deriva una de sus principales herramientas. Pero también, y por encima de todo, la psicogeografía es una práctica al alcance de todos destinada a promover una experiencia de la ciudad más intensa y acorde con nuestras necesidades reales. Recorrer la ciudad a tumba abierta, habitarla, entenderla como campo de juegos; para luego estar en disposición de sacar de todo ello las conclusiones adecuadas que nos permitan crear otra ciudad, una que sea consecuencia de la vida de las personas que la habitan y no de las fuerzas económicas que la asedian.

La presente edición, a cargo de Julio Monteverde, recopila los principales textos sobre Psicogeografía publicados por los miembros de la Internacional Letrista y la Internacional Situacionista, y además incluye una amplia selección de sus antecedentes y desarrollos posteriores que, creemos, ayudan a entender su propósito, sus resultados, sus triunfos, sus límites y las posibilidades que sigue atesorando como práctica para alcanzar una determinada experiencia de la ciudad.

Hardcore de Finlandia. Muy thrash por momentos. Una grabación muy precisa, un galope vertiginoso que nunca flaquea.

Desde Lille, CHIAROSCURO no es la excepción. Un ejercicio oscuro y sombrío de post-punk que conserva la urgencia e intensidad propias del punk

Una nueva recopilación de ensayos, artículos y entrevistas varias entre las que podrás encontrar a Conrad Standish y Sam Karmel, Javier Hernando, Keith Rowe, Mattin, Elbis Rever, un comic sobre un concierto de Black Metal, Morton Feldman, David Lynch, Valentina Magaletti & Fanny Chiarello, así como un artículo sobre “Lucy in the Sky with Diamonds” y“Champagne Supernova”.

Bilbao, ciudad abierta busca ser un reconocimiento y un homenaje personal a esta villa a través de sus tradiciones, pero sobre todo a través de su presente. Es también una historia íntima, desde la óptica de quien la describe, tejida sobre la urdimbre de distintos barrios bilbaínos por un repertorio de personajes tal vez aleatorios, pero siempre representativos del Bilbao de hoy, que nos hacen partícipes de su cotidianidad, de sus frustraciones y de sus expectativas. Sobre la base de doce relatos interconectados entre sí por un cierto ambiente y por los doce protagonistas que se tienden la mano en momentos concretos, se trata de transmitir al lector el carácter de una ciudad abierta a todos, acogedora y hospitalaria, con sus virtudes y sus defectos, pero, por encima de todo, singular y humana en sus gentes. Guarda asimismo el propósito explícito de reivindicar Bilbao como espacio literario tan digno y tan fértil como París, Londres o Nueva York. En Bilbao también pasan cosas, suceden historias emotivas e historias terribles, y es caldo de cultivo de personajes literarios tan válido como cualquier otro.

Ángel del Infierno es el único libro autorizado sobre el Club de Motoristas Ángeles del Infierno (hamc). Estamos ante un pase de acceso ilimitado al mundo secreto del club en el que Sonny Barger, su visionario fundador, rememora el nacimiento del club en Oakland y dibuja cuatro turbulentas décadas de su existencia, décadas durante las cuales el club se convirtió en una pieza imprescindible de la contracultura y la cultura norteamericana. Carreteras, rock & roll, drogas, armas, cárceles y, sobre todo, motos: la Harley-Davidson entre las piernas y una calavera alada a la espalda como una forma de entender la vida.

La reciente y exitosa serie televisiva Sons of Anarchy (Hijos de la anarquía) —basada en parte en la historia del club, y en la que el propio Sonny hace algún cameo— ha dado más visibilidad al club motero, y ha reavivado el interés por conocer la intrahistoria de una de las subculturas más destacadas surgidas a mediados del siglo xx. En Pepitas hemos pensado que nadie mejor que el fundador de los Ángeles del Infierno para contarnos la historia del grupo. En su voz, el relato de lo sucedido en el festival de Altamont, mientras actuaban los Rolling Stones, cobra una nueva dimensión.

Las abundantes fotografías, muchas de colecciones privadas o prestigiosos fotógrafos, enriquecen esta extraordinaria narración. No es una historia sobre motos, personajes estrafalarios y emociones a toda velocidad, sino el relato verídico de un hombre que habla sobre lealtad, traición, subculturas, fraternidad; de un rebelde que conoce el verdadero precio de la libertad.

Como gran broche final a nuestra gira 40 aniversario. Tenemos el honor de dejar plasmado en un flamante doble vinilo el concierto más emotivo de la gira. Grabado el 16 del 8 del 2024 en nuestra querida plaza Mosku de Irun. Lugar de innumerables historias, conciertos,  gran camaraderia, y lucha en los recordados años 80.

El disco con portada desplegable y a todo color recoge 21 temas, mezclados por Aitor Pérez y masterizados en Londres por Daniel Husayn. Hace repaso a toda nuestra trayectoria desde 1985. Vienen los temas más emblemáticos de las maketas, todos los temas del disco "Aún Recuerdo", un tema de un recopilatorio, y otro de un ep de edición limitada. También hay grandes colaboraciones : Katu - Baldin bada. Mattin - Anti régimen, Kortatu, Baldin bada, y Txap - Lisabo. Todo ello editado por Potencial HC, quien nos ha dado todo su apoyo desde el principio.

Estamos deseando compartirlo con todxs y que disfrutéis tanto como nosotros.

ANTI RÉGIMEN.

Hay 100 copias,  limitadas, con los dos vinilos a color, uno blanco, y el otro blanco con humo negro.

mitico de garage punk del 91, punk viejuno y carrasposo, solo gozar

Recopilatorio tributo a Ultimo Resorte con la participación de bandas como: Nafra, Natarte sería poco, Disthroat, Zirt Zart, Zero, B-Pihg, Euskal Bastards, Trance, Eméritos, Sasikumeak Revenge, DLC Bilis, Bloody Blenders, Dead People, Anti-Regiment, Suicidas, Achake!, Shöck, Obducción de la amenaza, Algo Tóxico, ECM, Los Vibradores, Cynta Aislante, Naplañ y Docktor Muerte y sus Ekuaces. Incluye un fanzine repleto de fotos , letras, info y un escrito de la gran Silvia Resorte.

El amotinamiento corrió como un reguero de pólvora por los buques de guerra de madera durante la Era de las Revoluciones. Mientras por toda Europa los comuneros asediaban a la nobleza y los trabajadores esclavizados incendiaban las islas-plantación, en los océanos, decenas de miles de marinos de guerra apuntaban sus armas al alcázar y derrocaban el gobierno absoluto de los capitanes. A comienzos de la década de 1800, entre un tercio y la mitad de todos los marineros que prestaban servicio en el Atlántico Norte habían participado en al menos un motín, muchos de ellos en varios, y algunos incluso en navíos de diferentes armadas.

En Bandera de sangre, el historiador Niklas Frykman relata con una vibrante prosa, cómo una década de conflictos violentos a bordo dio origen a una forma distinta de radicalidad política que aunaba la cultura igualitaria de las comunidades marítimas del Atlántico Norte con el republicanismo constitucional de la era revolucionaria. El intento de establecer una república marítima radical fracasó, pero la bandera roja que ondeaba en los mástiles de los buques amotinados sobrevivió hasta convertirse en el símbolo más duradero de la lucha de clases, la justicia económica y la libertad republicana hasta nuestros días.

Grzegorz Rossolinski-Liebe ilumina la vida de una personalidad mitificada, la de Stepan Bandera, y escudriña la historia del movimiento nacionalista ucraniano más violento del siglo XX: la Organización de Nacionalistas Ucranianos (OUN) y su Ejército Insurgente Ucraniano (UPA). Al dilucidar las circunstancias en las que Bandera y su movimiento surgieron y funcionaron, Rossolinski-Liebe explica cómo el fascismo y el racismo fueron determinantes en la formación del nacionalismo ucraniano a partir de los años 30 del pasado siglo. El libro muestra por qué Bandera y sus seguidores fracasaron -a pesar de su similitud ideológica con la Ustsa croata y el Partido Hlinka eslovaco- a la hora de establecer un Estado colaboracionista bajo los auspicios de la Alemania nazi y examina la implicación de los nacionalistas ucranianos en el Holocausto y otras atrocidades durante y después de la Segunda Guerra Mundial. Así mismo, el autor saca a la luz algunos de los elementos más oscuros de la historia europea moderna y demuestra su complejidad, prestando especial atención al terror soviético en Ucrania y al enredo entre

Los cincuenta y cinco grabados recopilados en El rostro de la clase dominante fueron publicados en 1921 en Berlín, una ciudad que, tras la derrota de la insurrección espartaquista, estaba sometida a una presión infernal.

En esta obra, Georg Grosz prescinde de cualquier atisbo de distanciamiento y no duda en señalar con nombres y apellidos a los responsables de la miseria social. La combinación de trazos simples y rudos con otros repletos de plasticidad le permite transformar la caricatura en puro retrato objetivo. Su mirada es ácida, sardónica, destructiva. Su objetivo declarado es «arrastrar por el fango todo aquello que los alemanes han amado» para preparar una segunda revolución, más definida que la de noviembre de 1918.

La Nueva Objetividad, a la que se adscribe, se distancia del dadaísmo, pero también de la iconografía vagamente religiosa de lo que se denominó «arte proletario». Grosz no concede ni un milímetro a la monumentalización de la lucha de clases. Las heridas colectivas de la Primera Guerra Mundial están presentes en cada línea y, al igual que hizo Goya en sus grabados sobre la guerra, rehúye la ensoñación.